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2020·嬗变之年|若无新的文化生产力 当代艺术因何出场

发表时间:2021-01-05 23:11作者:admin

【导语】2020年毫无疑问是一个巨大的节点,20年一个时代,当代艺术即将面临巨大的转折。在全球遭遇新冠疫情之下,深刻地改变了人们的日常行为,大家开始重新审视个体、集体、政治、经济、文化、自然这些原有既定的概念。因此,也出现不确定的种种因素和节点的到来,不得不站在有形的、无形的界碑前,去思考未来。

2000年之后的这20年间,中国当代艺术在商业和政治的双重体制的影响下,与世界艺术史相互关联渗透于全球化的系统之中。那么,这个节点的前传和未来会怎样?这个时间点的中国当代艺术有着怎样的画相?在大数据和数字化越来越常态,越来越日常的时候,中国当代艺术会有怎样的未来趋势?


后2020时代,中国当代艺术何处去?



望京soho 扎哈·哈迪德设计


种种流行下的种种变化


艺术评价标准的统一和审美趣味的趋同,制造着扎哈、库哈斯成为全球国际大都市大流行的建筑设计艺术的标配,时髦谁都没落下。

当代艺术看似越来越获得了更多的合法性和多元性,实际上在评价机制和审美趣味的标准越来越趋同的态势下,当代艺术的突破性被阉割,其可能性也在越来越窄,就像个孪生的双面怪客。

亦如同不断被刷新的最新流行趋势:一阵子流行水墨;一会儿流行抽象:或者坏画也开始流行……



贾蔼力 无题 2015年作 布面油画270 × 210 cm


“现在不都在合计做做小版画是吗?本来作者是个批判的、革命性的作品,现在大家都在琢磨怎么变成办公室装饰品是吧?整个不再谈先锋性和实验性了,谈的都是放在商场里好不好看,是不是吸引人气,是不是有购买欲?这都是商业体制对当代艺术特别大的影响。”策展人付晓东从自己对当代艺术这些年的观察,认为在多元文化的挤压下独特性需求崛起,地域性和文化身份的自我确立变得重要起来。

|从艺术体制、传播、自身发展几个维度,观察当代艺术未来的发展趋势及变化时,从艺术体制的角度看:美术馆、拍卖、画廊、艺术媒体等体制建设已经完成,开始向专业化发展,商业体系高度发达,但是逐利的特性,并没有有效的支持到实验艺术的生产;

|从当代艺术的传播看:当代艺术扩展从小圈子走向大众化;但是媒体和市场关注的,永远只有少数明星级艺术家,资源严重不均衡;

|从当代艺术自身的发展看:向边缘拓展可能性,探索未知领域,提高认知模式,探索向纵深发展等等方面,在内卷化竞争中,开创新的风格和领域,越来越难;



策展人 崔灿灿


在雅昌艺术网对策展人崔灿灿的对话中了解到,青年艺术家的创作和展览机会越来越被挤压,更多的展览空间在“分享历史,而不是创造历史”。



王音 无题 2014年 布面 油画 210×130 cm


从展览空间对青年艺术家的支持来看,这两年变化最大的有三个方面:

|第一个变化:画廊留给年轻人(艺术家)的平台越来越少了,其实我当时一直说现在对年轻艺术家来说是最残酷的一个时刻,为什么我说这个时刻呢?美术馆的大厅是留给大牌艺术家的(那种仓库改造1000平米一个)年轻艺术家根本没有那么多空间去做事情。

|第二个变化:北京艺术区的变迁导致大量的年轻艺术家没有拥有更好的工作室、更好的创作空间,以及一个生活基础的生存空间。

|第三个变化:也是非常重要的,画廊很少再去做年轻艺术家,因为实际上所有的成本在上升,画廊的模式在改变。画廊的模式为什么在改变呢?这几年有一个最不好的现象:就是客观来说,做装置的展览越来越少,做行为的展览越来越少。以前中国的画廊会做很多,现在画廊清一色的是做“好卖”的画展。为什么?画廊的盈利属性,它的结构已经不再给年轻人提供生存的空间,我们说一个非常通俗的道理,可能年轻的艺术家一屋子的作品全部销售了之后,它的盈利并不足以支付它的房租。

这是一个非常尴尬的悖论,但是中国又没有很多的画廊去拿出足够的时间和精力去运营一个年轻艺术家——中国现在变成一个快速兑现的地方。什么是快速兑现的地方?这个展览必须卖,必须卖的很好,这才是一个好展览。



王兴伟 布面油画 92×80cm 1999年



当代艺术策展人,空间站创始人:付晓东


中国当代艺术的七大类型


如果从2020年这个转变的节点,回望中国当代艺术发展历程中出现的纷繁面貌。雅昌艺术网在交流中了解到,当代艺术策展人,空间站创始人付晓东把2020年这个节点所呈现的中国当代艺术分为了七个类型,并且依照记忆中时代的兴奋热点原则;代表性原则;首创性原则;不可回避原则;做为她观察的基础背景。



张慧,《室外生活(昂昂溪)》, 2020,布面油画,204 × 154 cm



仇晓飞 《赤》 200x300cm 布面油画 2020



李松松,“南方”,2017,布面油画,330cm x 260cm


|首先,是观念性绘画。艺术家精心拆解形象自身所携带意义,再重新组合和建构,形象的意义被辗转腾挪,成为一首被解体的图形诗。作品成为一种思维方式的展现,被重新组织在个人化的逻辑体系内。形象随着自身原有的唯一链条的符号逻辑土崩瓦解,颠覆观看绘画作品的知识结构中的理解定式。其中在这方面有大量创作实践的艺术家有:王兴伟、王音、李大方、 张慧、贾蔼力、仇晓飞、李松松等等。



黄宇兴 局外人 布面油画 150 × 100 cm 2018年



谢墨凛 叠 No.29 布面丙烯 60×60cm 2013年



李姝睿,《元神储存器No.201708》,布面丙烯,200×200厘米,2017



王光乐,无题 160116,布面丙烯,2016


|第二是观念抽象,通过不同的知识经验,从色域、视错觉的抽象,新的视觉关系和经验等科学的领域去研究抽象艺术。也就是今天的抽象艺术不同于现代主义时期的抽象。其中在这方面有大量创作实践的艺术家:黄宇兴、李姝睿、王光乐、谢墨凛、梁远苇、鞠婷、董大为等等。



刘窗,“收购你身上的所有东西(郭春丽 )”(局部) 2013



梁硕 女娲创业园/青铜雕塑/尺寸根据场景可变/2014



曹斐(第二人生中的化身:中国. 翠西)《人民城寨:第二人生城市计划》,2007机器电影,单频录像,4:3,彩色,有声,5分57秒



徐震®《Hello》2018-2019,机器人机械装置,泡沫聚丙乙烯,聚亚安酯泡沫,硅胶涂料,传感器,电控系统。



陆扬数字人“独生独死”



陈天灼《自在天肖像-Amelie》,160 × 107 × 5 cm,灯箱:进口灯箱布,铝板背板,2019



叶甫纳 作品《一个有思想的房间》截图


|第三是日常刻奇,刻奇这个词源自德语Kitsch,简言之是媚俗、矫情。艺术家们把中国当下现实中的日常刻奇作为一种资源,呈现于作品包含现实诗意、庸俗戏仿、后网络。使艺术成为生活的一种形式,生活也成为艺术;形成大众交流美学系统的转化与调侃,从欣赏崇高降低为欣赏庸俗;体现为自由主义,小资产阶级个体心智的觉醒,民主和平等的交流,用接受的态度对待大众美学和日常生活的现实;新的感知力,智慧的敏感与妙思的悟性;打破低级与高级、知性与感性的跨阶层革命性;后网络、抖音、卡通、新的大众化媒介的夸张趣味;其中在这方面有大量创作实践的艺术家包括:白双全、储云、刘窗、曹斐、梁硕、徐震、陆扬、陈天灼、关小、叶甫纳 、陶辉、能尖日、陈飞等等。



陶辉 谈身体,截图,单通道高清录像,彩色,3 分45 秒,2013



能尖日 水饺棋 纸本水彩,粘土,布 60 x 40cm 2016



陈飞,《画家和家庭》,亚麻布、丙烯.,290 x 290 cm,2018


“日常刻奇实际上是新的现实主义,是这二十年来中国当代艺术的特点。”在付晓东看来,这种特点也是在这个时代背景下产生的,以后也未必会再出现。



邱志杰《艺术生态地图》



史金淞,松,不锈钢等综合材料



杨福东 无限的山峰 摄影 2020


|第四是“后传统”新民间与复古,其中在这方面有大量创作实践的艺术家:邱志杰、史金淞、杨福东、吴俊勇、邱黯雄、邬建安、林海钟 、郝量、彭薇等等。置身全球化进程中的中国艺术家们的作品也在不断的对传统进行破坏与重构;



吴俊勇 双屏动画装置《光的肖像》截图 2013



邱黯雄作品《新山海经Ⅲ》影像截图



邬建安《五百笔 #51》 宣纸,水墨,彩墨,剪纸拼贴 135x165cm 2018



林海钟 灵隐寺壁画



郝量 《幽暗》绢本设色 165×95cm 2010年作



彭薇个展“故事新编”现场 2019


大的主流确定性传统和小的地方变异性传统的区分已经逐渐丧失,地区与中心存在的语言差别和文化分歧被抹平,以传统形式存在的“传统”越来越少。传统变得多元化,不确定,即时性,可供选择。多元化可选择性的传统已经取代了规定性和支配性的传统;



双飞艺术中心《双飞克莱因蓝》行为 2015年



马秋莎 从平渊里4号到天桥北里4号 |单频录像 | 7'54'' 2007



鄢醒作品



田晓磊《维纳斯》地毯 直径2m



黄汉明 装置作品《竹子太空飞船故事》



孙原&彭禹作品《难自禁》


|第五是对“身体改造”的扮演、赛博格和身心技术。受西方后现代主义思想家福柯、阿甘本的“生命政治”的影响;包括把身体成为作品的杀马特,剪烫吹,替代性的表演;艺术家们以赛博格的身体,弥合动物、机器和人之间的割裂;另一个特征是抹平性别特征的身体,身体作为扮演和表演的;其中在这方面有大量创作实践的艺术家包括:双飞艺术中心、厉槟源、陈哲、马秋莎、鄢醒、田晓磊、黄汉明等等。



刘韡 《暗物质》



邓悦君 鸢尾科NO.2 黄铜,铝合金,电机,电子模块 800x2000x200mm 2017



aaajiao《视窗碑林》 尺寸可变, 2016年 装置,金属结构和UV打印



杨鑫 原系列 9x9cm 综合材料 2016



林科 天空绘画——M,亚克力UV打印,2019


|第六是“技术哲学”跨学科与技术反思。艺术家把技术作为一种认识论和世界观的态度,而不仅仅把技术和艺术嫁接在一起。艺术家们的作品显示出把活的自然和技术作为新的主体的去人类中心主义面貌;反思古代天地人的文化观念和技术之间的关系;对大数据监控的批判;不仅是仿生、拟生,还包含基因改造的创生。其中有这方面实践的艺术家包括:孙原、彭禹 、刘韡、邓悦君、aaajiao、杨鑫、林科、郝经芳+王令杰。



郝经芳 & 王令杰,《Sun is Drawing》,2012年原作,2019年重制 透镜,木,铁,热敏纸,50×50×120cm



葛宇路,2013-2017



赵赵全新大展“白色”现场


|第七是“事件性和参与”批判社会的艺术。其中在这方面有大量创作实践的艺术家和机构包括:葛宇路、刘伟伟、赵赵、第八日、石节子村美术馆等等。他们参与批判社会问题的表达,作品渗透社会体系。并利用公共传播和媒介平台,成为大众话语讨论的对象,制造公共事件,引起热点新闻。

“这20年种种可能性都有探达,在这个变化的2020之后,如果没有新的文化生产力,他凭什么出场?” 付晓东如是说。

在如此勾勒的20年来中国当代艺术的画相中,2020年作为这个变化的节点和未来的背景,可以触及当代社会的各方面现实的处境。

那么,未来的20年会发生怎样的变化?会转向何方?


数字时代的当代艺术


2020年,长期致力于与研究“奇点艺术”的美国罗格斯大学终身正教授和原美术部共同主任谭力勤在一篇文章中称“艺术历史转折点的至要特征都在中国科技艺术进程中得之显露。”“科技艺术转折点”观念也他是多年斟酌后提出的。

在他举出的艺术家个案中包括那些曾经的“八五老将”,在经历了古典主义时期、现实主义时期、全球化时期、消费主义时期和观念艺术时期的一路亲身实践之后进入了个人体系的探索时期。例如:



南瓜计划——李山、张平杰生物艺术作品展


八五老将李山的“生物艺术个展”在上海香格纳画廊/台北当代艺术馆上海当代艺术博物馆(2007/2012/2017);



《蜻蜓之眼》海报


八五老将徐冰导演的《蜻蜓之眼》实验纪录片个展--今日美术馆(2017);



张培力多媒体个展《记忆。重复。》芝加哥美术馆


八五老将张培力多媒体个展—北京“Currents”艺术空间/北京Boers—Li画廊/民生现代美术馆/北京掩体空间/北京博而励画廊/上海仁庐空间(2006/2008/2011/2017/2018/2019);



隋建国的雕塑回顾展 OCAT深圳馆


老将隋建国的雕塑回顾展(部分雕塑为3D打印)--OCAT深圳馆(2019);

八五老将谭力勤“数码原始”3D动画交互装置与数码硬质印制个展--上海多伦美术馆/北京中华世纪坛/798缘分新媒体艺术中心/宋庄美术馆(2005/2008/2009/2010)。

谭力勤教授认为,2010年至今的十年间,中国当代艺术迎来科技艺术活蓬勃发展期。随着生物、纳米和量子科技融入艺术创作,“数字艺术”概念也逐渐过渡为“科技艺术” 。

中国当代艺术中的观念、装置、行为、架上绘画等艺术种类,都面临来自于科技艺术生态环境全面而强有力的挑战。无论是概念阐释、创作源泉、主体内涵、制作程序、审美特征、欣赏手段、呈现形式、组合结构、时空原则和评审标准都将发生了根本性的蜕变和重构。如果二十世纪以电子世纪而著称,那么二十一世纪则被视为“人工智能世纪”“生物技术世纪”、“纳米世纪”等。为此,中国的人工智能艺术、生物艺术、虚拟现实艺术、纳米艺术、三维打印艺术、智能穿戴艺术等科技艺术新形式与日俱增、迅速涌现 。尽管纳米艺术在中国起步早,但艺术家并没及时接过科学家的探索之棒,后续无力;而智能材料艺术还大多停在实验室内,没有真正走入公众视野。



隋建国《3D 的面孔》


“所有的肌理、分块通过我的手捏出来的结果,捏石膏的时候一个碎片,把它用3D高清扫描,再放大打印出来,就像一块自然生成的石头,但它是人造的石头。因为它是3D机器打印出来的,完全是机器、科技、新材料的产物。但是有手的痕迹,它所有形状是偶然产生的,但是表面的纹路全部是我手的纹路,又是现代高科技的方法创造出来。”艺术家家隋建国对雅昌艺术网谈起自己新作品时说。他的作品《3D 的面孔》是以3D 打印的方式创作,终结了雕塑历史中模仿“自然”的历史,彻底改变了雕塑的内涵和外延。在隋建国十年的创作体系中,这也表示着一个过去的时代结束,也寓意着一个全新的体系的开始。




高孝午2020《共境》AR最新系列作品


显然,2020年12月20日,在司马台长城脚下著名艺术家高孝午2020《共境》AR最新系列作品发布。也是艺术家向数字艺术迈进的最新实践,他的作品不仅由公共场景转向虚拟空间,并且由单件独立作品转向数字化无限复制传播的方式,改变了传统艺术作品与公众间的观看、传播、互动的方式,是高孝午创作语言和方法的再一次创新和突破。艺术家高孝午《共境》AR体验的游历不仅是全球的计划外,还在国内的各大城市同样会设置线下互动点,未来在各大城市的地标性公共场所同样设立共境系列的AR体验点,增加AR虚拟展览的地域互动性。

“从2020年作为当代艺术的变化之年来看,一定有作品和思想在酝酿中。从我们教学开始上网课,毕业展也是在虚拟的美术馆空间里呈现。有的学生开始做动漫视频剪辑,自己学编程,这是艺术教育的变化。未来艺术家做展览,也只需要把数字文件传给对方就可以实现多种呈现方式的可能。”中央美术学院青年教师卢征远从个人雕塑创作的实践以及教学等方面观察数字化对当代艺术的影响。

近期,隋建国艺术基金会和雅昌艺术头条联合推出了“云雕塑”艺术号,这不仅是一个艺术家们发布信息的窗口,同时也是一个数字艺术的实验场。


编后语


在数字化科技与艺术的结合会改变创作方式,当中国当代艺术以2020年为节点,看向前20年以中国本土文化资源转换为主流的时候,我们会反观未来的20年。

当数字化生活越来越成为日常,但艺术绝非技术的附庸。在人们面向疫情之下的困境时,更需要艺术家内在精神的觉悟。


图文来源:雅昌艺术网

作者:裴刚


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